Expresionismo: Edvard Munch, Georges Rouault, Die Bruche, Paul Klee, Wassily Kandinski

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemacia a fines del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.Fue una reacción al impresionismo frente al naturalismo y el carácter positivista. Los expresionistas defienden un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista -la "extresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión".El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.Movimiento artístico heterogéneo . Tenía una temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica.El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibida (lo morboso, sexual, fantástica o pervertida, entre otras) y la deformación emocional de la realidad.Los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Sus trazos exagerados y la utilización de muchos colores violentos intensifica la extrasión mostrando la realidad de una forma muy personal.El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un extresionismo moderno (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Bruche), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc.

Uno de los destacados autores del expresionismo se encuentra Edvard Munch (Loten, Noruega, 1873-Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar almas. Por ello, los temás más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso).

Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.

el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893.
En esta pintura se transmite una emoción, una sensación que impacta a quien la contempla. La pintura es claramente expresiva. Es su cualidad más importante. La pincelada en movimientos ondulantes, nerviosos, adentra en la crisis y en la profundidad del sentimiento del artista. El pintor no necesitó detalles en la imagen, es suficiente la pose con las manos en los oídos de un rostro sin facciones y sin rasgos de la figura principal, pero transmitir la angustia en lo que parecen ojos y boca distorsionados en una expresión desgarradora de miedo incontenible que sumerge al espectador en la profundidad de la imagen. Entrando en ese sentir caótico, la escena se vuelve como una pesadilla de una persecución paranoica y acechante. La profundidad se logra con las figuras distantes, a lo lejos, pero cerca, y separa a la figura principal como si huyera de ellos, o de algo más.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm

http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiloU6-slfD9F5VHmOSKRFKNTbLbYqTh-rcCvvW5DM4S6g9s629WEx8no0t1ibLi3yQY6Vw5EAjibOYoC7x7x3Blbl1ryKLzHXa-Y4QLnwKBHY8A_fJrgpq5NPmkN4Ql_TpGIiKug7APCh6/s1600/munch-scream2.jpg&imgrefurl=http://cuenteandocuentos.blogspot.com/2009/11/seminario-de-arte-edvard-munch-1-el.html&h=1032&w=796&sz=186&tbnid=WSFArk4HhGTS7M:&tbnh=256&tbnw=197&prev=/search%3Fq%3Del%2Bgrito%2Bmunch%26tbm%3Disch%26tbo%3Du&zoom=1&q=el+grito+munch&hl=es&usg=__NO5iaTsgt2QeqlQlSwWFXNBWv8A=&sa=X&ei=4fmkTf_UCau90QHaz4H2CA&ved=0CB4Q9QEwAA

http://mirarydecir.blogspot.com/2009/01/el-grito-por-rosa-mara-njera.html

Postimpresionismo: Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh

 Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del sigle XIX y principios del siglo XX. Suerge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reaccion contra el Impresionismo y le Neeo-Impresionismo.Los artistas de esa época pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expreción. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no extresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.Los postimresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionana contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo.

Uno de los autores mas significativos de este movimiento fue Vincent Van Gogh  (Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística.
Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.

El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.

Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.

Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.

En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.

La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.

Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor, y pintor aficionado, Paul-Ferdinand Gachet.

En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

La noche estrellada, Vincent Van Gogh

Famosa escena nocturna muy vigorosa y sugerente pintada en el año 1889. La naturaleza estalla en todo su esplendor y se exhibe ante el pintor, que está recluido en el manicomio de St. Remy y pinta lo que puede ver desde su ventana. siempre se había sentido atraído por la noche por su especial gama luminosa. Las estrellas son plasmadas como puntas de luz rodeadas de un halo luminoso y el cielo queda así estructurado como un conjunto de espirales, torbellinos helicoidales que dominan el cielo y los cipreses del primer plano.

Al fondo de este bellísimo paisaje encontramos un pueblo con la aguja del campanario de la iglesia presidiendo y caracterizando el conjunto urbano. Las líneas del contorno de los edificios están realizadas con grueso trazo de tono oscuro, lo mismo que las montañas.

La sabia conjugación de bellos colores, cielo estrellado y paisaje ideal han hecho de esta "noche estrellada" uno de los cuadros nocturnos más famosos y valorados del arte del XIX.

Fuente:  http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogh.htm

http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_01_02/vangogh.htm

Realismo: Corot, Courbet, Milled, Rousseau

Se desarrollo a partir de la mitad del siglo XIX, aproximadamente desde 1848. Su maximo esplandor se produjo en Francia durante esta época.
Aqui se dejan e lado los temas sobrenaturales y mágicos, siendo reemplazados por temas corrientes y la representación de escenas cotidianas. Busca representar el mundo del momento de manera verídica, objetiva e imparcial, dejando de lado la idealización.
Toma un profundo sentido por la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella.
Notamos en este movimiento una claridad en la paleta, con un poco trabajo de claroscuro.


Un destacado artista del realismo es Gustave Courbet (Ornans, Francia, 1819-La-Tour-de-Peilz, Suiza, 1877) Pintor francés. Instalado en París desde 1839, estudió en la Academia suiza la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca, veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, no alcanzó plenamente su madurez artística hasta que descubrió las obras de Rembrandt en un viaje que realizó a los Países Bajos en el año 1847. Hombre revolucionario y provocador, abrazó la filosofía anarquista de Proudhon, participó en 1871 en la Comuna de París y fue encarcelado durante seis meses, hasta que se refugió en Suiza, hacia 1873. Escandalizó al público con su nueva visión realista en cuadros sobre hechos cotidianos, como en L' après diner a Ornans (1849), El entierro en Ornans (1850) o Los paisanos de Flagey volviendo del campo (1850), puesto que los personajes estan representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora.

Courbet estaba obsesionado con la libertad. Él mismo se definía como un espíritu independiente y, por ello, no nos sorprende que prácticamente no haya tenido una solida formación artística, sino que comienza pintando a sus hermanas y otros miembros de la familia.

En aquellos tiempos, en Francia, la pintura histórica era reconocida como la forma más alta de arte, y consiguientemente, eran las favoritas del Salón de París. Pero al reaccionario Courbet le interesaba muy poco este tipo de arte, sino que pensaba que un artista debía trabajar solo desde su propia experiencia. Por ello, en su lienzo trabaja escenas de todos los días, con personajes cotidianos, comunes y hasta vulgares; al igual que sus contemporáneos Daumier o Millet, quienes eran catalogados bajo un nuevo movimiento: el realismo.

Pero este movimiento, como decía Courbet, no significa solo pintar con perfección las líneas y las formas de aquello que se ve, sino que sugiere la observación directa de la realidad de forma espontánea y así, también poder retratar las irregularidades de la naturaleza y la dureza de la existencia humana.

El estudio del pintor, una alegoría real, es una composición dividida claramente en dos mitades. En el centro, se encuentra el propio Courbet pintando un paisaje y a sus lados, una mujer desnuda y un niño. A la derecha de la obra, se encuentran admiradores y amigos del artista, gente de clase alta, incluido el poeta Charles Baudelaire (concentrado en un libro a la extrema derecha del cuadro). En contraposición, a la izquierda se encuentran personajes “del otro mundo, de la vida trivial, de la miseria, pobreza…”, según afirma el propio Courbet en una carta, representado por una prostituta, un sacerdote, una prostituta, mercaderes, etc.

Courbet mismo habitaba los dos mundos al mismo tiempo: mientras se relacionaba con las personas de clase baja para pintar sus obras, aquellos que las admiraban y pagaban por ellas era los otros, los de clase alta. ¿Pero no ocurría lo mismo con todos los realistas de su época? Evidentemente sí. Pero fue Courbet quien lo plasmó en el lienzo de modo autobiográfico.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/courbet.htm
http://deplatayexacto.wordpress.com/2010/10/22/el-estudio-del-pintor-una-alegoria-real-gustave-courbet-1855/