martes, 3 de mayo de 2011

Neoexpresionismo o Arte Postmoderno: Baselitz, Jorge Immendorff, Margarita Gomez

Surge tanto en Europa como en EEUU desde mediados de los 70. El neoexpresionismo es una teoría socio cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y aconomica propia de la Edad Contemporanea, marcada en lo cultural por la Ilustracion, en lo político por la Revolucion Francesa y en lo económico por la Revolucion Industrial. Se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno, visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte de vanguardia de principios del siglo XX. Las obras de este movimiento suelen ser figurativas (aunque sin rechazar lo abstracto), con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Mezclan imágenes del arte tradicional a las derivadas de las nuevas tecnologías. Todo lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Hay una gran variedad estilística y conceptual.
Voy a destacar a la artista alemana Geora Baselitz  cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.  

Comedor de naranjas, Geora Baselitz


Practica ya una pintura que, de alguna manera, ajusta cuentas con el pasado reciente de su país y conecta con el expresionismo alemán anterior a la llegada de los nazis al poder. Desde este punto de vista, gran parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Fuente: 
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669

Hiperrealismo: Jorge Dager, Don Eddy y Susana Pomidoro

Surge en EEUU a finales de los años 60 en el siglo XX. Propone reproducir la realidad con mas fidelidad y objetividad que la fotografía, a veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El termino Hiperrealismo es también aplicable a la escultura y a la historieta. Este movimiento puede ofreceruna versión minuciosa y detallada de las imágenes; los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la ralidad usando losmedios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Cosiguen con la pintura al oleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía . Se trabaja a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. Existen 2 tipos de Hiperrealismo:- el americano, una reproducción manual de fotografías (Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una camara fotográfica que funciona mecánicamente).
-el europeo, que no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo surrealista).
Duane Hanson es uno de los pioneros en emplear esta técnica. Nacido en E.E.U.U. en 1925, es hijo de inmigrantes suecos a ese país, granjeros en Alexandría, Minnesota.
Sus obras las realiza con diversos materiales, como el bronce y materiales sintéticos (resina de poliéster, fibra de vidrio, etc.), elaborando las esculturas directamente en moldes tridimensionales, más conocido como fundición viva. Su trabajo lo culmina con la pintura color piel, colocando los elementos decorativos y representativos, como ser la ropa o la joyería
Siendo un artista hiperrealista, sus obras se destacan por ser de tamaños exagerados, donde la perfección en las terminaciones (como por ejemplo sus rostros), captan la atención de los observadores, diferenciándose de Mueck en su fuente de inspiración, ya que retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano y que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte.

"Los turistas II"
Duane Hanson
1988

Es el autor de estas esculturas hiperrealistas que retratan con todo lujo de detalles los estereotipos de la clase media norteamericana.
Las esculturas está realizadas a tamaño real, con una mezcla de resina de poliéster y fibra de vidrio, y pintadas a mano. Las prendas de ropa y demás accesorios de la puesta en escena son auténticos.
En la gestualidad de los personajes de Hanson se ve tristeza, frustación, cansancio y dolor por pertenecer a la franja de perdedores: los que no han podido cumplir el sueño americano de abundancia y bienestar.
La mayoría de las obras de este artista fueron concebidas a tamaño real sobre modelos al natural, utilizando el vaciado en escayola, para ser moldeadas después en fibra de vidrio, polivinilo, bronce o resina epoxi y pintadas a mano.

Op Art: Victor Vasarely, Kitaoka, Bridger Riley, Julio Le Parc, Cruz Diez y Omar Rayo

Movimiento nacido en EEUU en el año 1958. Se caracteriza por carios aspectos como la ausencia total del movimiento real,todas sus obras son físicamente estáticas lo cual lo diferencia del arte cinético y el pretender crear efectos visuales tales como movimiento aprente, vibración, parpadeo o disfuminacion. Las obras del arte optico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuestadinamica del ojo y una cierta eraccion psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio. El efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de las figuras que comparten sus contornos; el efecto Moare, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, como vibración y confusión.
En este movimiento puedo destacar al artista Victor Vasarely pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo. Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga. Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio.

Tlinko22, Victor Vasarely
        año 1955

Vemos como aparece el Op-Art en esta obra , Tlinko 22 (1955) donde se consigue sólo recurriendo a la oposición de colores y a la llamada “trampa al ojo” el efecto de profundidad y el de movimiento. Vasarely utiliza esta vez cuadrados y rombos : los rombos rompen el equilibrio del cuadro creando así el movimiento; y el contraste de colores es el que produce la profundidad. 

Pop Art: James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg y Andy Warhol

Se desarrolló en los años sesenta y setenta del siglo XX.
Autores destacables de este movimiento son James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg y Andy Warhol.
Este movimiento se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,comics, objetos culturales "mundanos" y el mundo del cine erótico. Es considerado de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Nació y se desarrolló primero en EEUU (Nueva York fundamentalmente), pero pronto pasó a Europa Occidental. Otras características destacables son: el empleo de imágenes y temas tomadas del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad del consumo y el capitalismo. Aquí los objetos dejan de ser únicoss para ser pensados como productos en serie.

Andy Warhol artista plástico estadounidense, uno de los mas destacdos en pop art. Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.


Matilyn Monroe, Andy Warhol

Andy Warhol utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Che guevara,Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60, junto a un grupo de artistas plásticos, actores, músicos escritores y otros miembros del underground neoyorquino, en el taller creativo Factory, donde se abocaban a la producción de cuadros donde la firma del autor operaba como una marca registrada.

Fuente:  
http://artpop.htmlplanet.com/biografa.htm
http://www.parejashomosexuales.com/arte-y-espectaculo/biografia-de-andy-warhol-y-sus-obras.php
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm



lunes, 2 de mayo de 2011

Surrealismo: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall y Paul Delvaux

Año 1924 siglo xx. El surrealismo surge a partir de la teoria de sigmund froyd, en el descubrimiento del inconsciente. fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginacion y lo irreal (sueños); como los fenomenos del subconsciente escapan al dominio de la razon
Temática: animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu
El surrealismo tomó del dadaismo algunas técnicas de cinematografia y fotografia asi como la fabricacion de objetos. extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos inconcluyentes. tambiense destaca como tecnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadaver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin vel lo que el anterior habia hecho pasandole el papel doblado
Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. Se caracteriza por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.


Uno de los pintores surrealista que se destaca fue Salvador Dalí, español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

La persistencia de la memoria, Dalí
año 1931
En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.


Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=224

Dadaísmo: Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber y Marcel Duchamp

Movimiento artístico surgido primero en Europa y posteriormente en Norteamérica; fue creado en el Cabaret Voltaire en ZúrichSuiza entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador y, posteriormente, adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura representativa de dadá. Surgió del desencanto que sentían los miembros al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y posteriormente, en actitud de rebelión a hacia la abulia y desinterés social característico de los artísticas del periodo de entreguerras.
Dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción.
El Dadá es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial.
Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
Se utilizo el fotomontaje (convinacion de textos, imagenes y fotografias recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Tecnicas: lienzo al oleo, tapiz, collage, lienzo a la escencia.
Una destacada artista fue Sophie Taeube, pintora, escultora y diseñadora. Entre los años 1908 y 1913 estudia en las Escuelas de Artes Aplicadas de Saint Gallen, Munich y Hamburgo. En 1915 se integra al Deutscher Werkbund. Ese mismo año, mientras estudia danza en la Escuela de Rudolf von Laban de Zurich, conoce a Jean Arp, con quien contraería matrimonio en 1921, y a cuyo lado transitaría por las más notables vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX. En 1916 ambos se pliegan al movimiento Dadá, mientras que Sophie enseña en la Escuela de Artes y Profesiones de Zurich, encargándose asimismo, y hasta 1929, de la organización del plan de estudios de Diseño Textil de esa escuela. Paralelamente a su actividad docente inicia su carrera artística con pinturas al óleo y gouaches con motivos no figurativos. En 1927 con la colaboración de su esposo y de Teo Van Doesburg, diseña los espacios interiores del Café L´Aubette en Estrasburgo, uno entre los contados que llegarían a completarse en estilo abstracto. La maqueta de uno de estos mosaicos seria enviada, más de 25 años después y por sugerencia de Arp, para ser llevada a cerámica esmaltada en el mural Sonoridad, obra que se apareja con el ensamblaje de Arp, Siluetas en Relieve, en los espacios de la Biblioteca de Psicología de la Ciudad Universitaria de Caracas. En 1928 se muda a Meudon, población donde Arp ha instalado su taller. Junto a su esposo habita en esa localidad cercana a París hasta 1940.

Autor: Sophie Taeuber-Arp
Fecha:1918-19
Museo:Centro Georges Pompidou

Sophie Taeuber-Arp tomó parte en las actividades dada desde el principio construyendo objetos, como esta Cabeza dada y diseñando trajes para las veladas que se celebraban en el cabaret Voltaire de Zurich, de los que sólo se conservan fotografías. Las líneas rectas y los juegos geométricos definen estos diseños en los que trabajó como muchas otras mujeres de la vanguardia.


Arte abstracto: Jackson Pollock, Kandisky, Mondrian, Malevich y Paul Klee

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

Un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto fue Jackson Pollock. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.
Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.
A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.


Numero 8.
1949. Jackson Pollock.
Expresionismo abstracto. 
Su técnica del dripping (en inglés, goteado) se realiza mediante salpicaduras de color sobre una tela puesta en suelo. De esta manera, deja un cieto margen al azar y, según Pollock, sin azar no hay existencia, ya que el azar es libertad.
Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado en pintura.